Miriam Rejas Del Pino

Researcher, Curator, Editor

Miriam Rejas del Pino is a curator and researcher based in Venice. Her practice moves between exhibition-making and academic research, with a sustained interest in how images construct identity, memory, and non-linear temporalities.

She is curator at the De Santillana Foundation in Venice, where she has developed exhibitions including Laura de Santillana: Beyond Matter at the Gallerie dell'Accademia di Venezia (2023) and The Archive Capsule — a research exhibition format supported by the Fondazione di Venezia that activates Laura de Santillana's archive through thematic and formal experimentation. Her doctoral research, completed between Italy (Ca' Foscari) and Paris (EHESS) with a summa cum laude, constructs a critical trans-historical genealogy of photographic gender construction: tracing how non-normative subjectivities have used the photographic self-portrait as a site of identity-making and resistance, from the 1920s through the emergence of identity politics to contemporary visual strategies of subversion. The project draws on visual semiotics, media archaeology, and visual culture.

She has been part of the Venice research unit for the PRIN ARTCHAE project, she is affiliated with the CROSS and LABIM research centers, and serves on the editorial boards of VISUS and Carte Semiotiche, for which she co-edited Fotografia analogica e Fotografia digitale (2023).

She is co-founder and editor of TBD Ultramagazine, an independent editorial project on contemporary art and aesthetics with presentations at the Teatrino di Palazzo Grassi, Art Verona, and SPRINT Milano.

Born in Barcelona (Spain) based in Venice (Italy)
miriamrejasdelpino@gmail.com
Instagram @miriam.rejas.delpino

RESEARCH

Tesi Dottorale

La tesi “Corpi-soglia” ha come scopo costruire una genealogia critica, plurale e trans-storica dei modi fotografici di elaborazione e costruzione di un’identità di genere non normata. La tesi nasce dalla volontà di esplorare come le immagini partecipano alla fabbricazione e alla costruzione delle identità e dei canoni, per comprendere anche quali strategie visive esistano per sovvertirli.

Dagli anni Dieci del Novecento alla nascita delle identity politics, i soggetti con identità di genere non canoniche (non-cisgender, identità fluide e nomadi, soggettività femminili) non hanno goduto di una libertà di espressione tale da partecipare pienamente alla sfera artistica collettiva. Se rappresentati/e, lo sono stati/e spesso per propria mano, facendo uso soprattutto del dispositivo fotografico. Le immagini hanno un ruolo fondamentale nella costruzione identitaria dei corpi; pertanto, possono dar conto dei rapporti di oppressione e di dominazione che li attraversano in un determinato periodo storico.

L’ipotesi di fondo di questo lavoro è che esista una genealogia della costruzione identitaria di genere intesa come una costruzione discorsiva nei e tramite i testi nel Novecento: a partire dall’affermazione di una sperimentazione identitaria in ambito artistico negli anni Settanta e Ottanta — momento in cui queste ‘identità senza nome’ diventano identificabili grazie alle identity politics — fino a una sua prima emersione negli anni Venti e Trenta. Ma quali sono concretamente queste strategie visive, dove e quando emergono?

Il progetto, di natura interdisciplinare, attinge alla metodologia semiotica, alla prospettiva della cultura visuale e della teoria dell’arte e dei media per considerare i processi di produzione di senso nelle fotografie. Le nuove genealogie proposte nella tesi, plurali e transstoriche, attraversano molte tensioni interpretative legate alla contrapposizione tra storia e teoria, sempre letta in modo lineare e omogeneo. Le opere del corpus di studio tracciano nuove genealogie che si discostano da un raggruppamento di tipo tematico o biografico per privilegiare il raggruppamento di opere su base teorica, operando accostamenti di opere di tempi storicamente distanti ma teoricamente motivati.

Download here: https://iris.unive.it/handle/10278/5108056

PhD Dissertation
Dicussed on July 2025

Membro del gruppo di ricerca del progetto PRIN PNRR ARTCHAE 2022-2026
"Rediscovering video and installation art as an archaeology of telepresence"
(Prot. P2022EMWP4, CUP H53D23009240001)

Mirror and monitor compose the dispositif in Left Side Right Side (Joan Jonas, 1972). Stills from video © Electronic Arts Intermix (EAI).

ARTCHAE is based on the idea that art is capable of establishing modes of interaction that promote a caring and wellness-oriented approach to human exchange. Video and installation art have from the beginning focused on mediated contact between people, experimenting with various forms of telepresence, only some of which have penetrated the media system, and have
been decisively revived in the post-pandemic era with the triumph of teleconferencing and telemeeting. The book delves into the history of early video art to bring to the surface, through a media archaeological approach, some submerged lines of experimentation in video streaming, telecommunications and tele-operation. In the logic of an inclusive society and the democratic rewriting of media and art history, the book aims to explore in particular the experiments of female pioneers of video and computer art who used the closed-circuit model - based on the mediation of presence - not so much to reinforce forms of control and surveillance as to question the nature of the relationship at a distance mediated by the images.

Pubblication: Grespi, B., De Rosa, M., Soldani, M. T., & Lazzari, L. (2026). ARTCHAE Ar(t)chaeology of Telematic Presence (under editorial review). Zenodo. https://doi.org/10.5281/zenodo.18744397

EDITORIAL

Tbd Ultramagazine

TBD, acronimo di “To Be Defined”, è un progetto editoriale che dal 2019 pubblica volumi tematici e collabora con artist* per la realizzazione di eventi a essi collegati. Il percorso critico di ogni numero si sviluppa a partire da fatti d’attualità definiti zeitgeisting, notizie o icone virali che rivelano lo spirito culturale del tempo.

TBD Ultramagazine
Co-Founder
Editorial project

Ogni fatto è sintomo e/o coadiuvante di tematiche più ampie, trattate sotto forma di saggi scritti e contenuti visivi. A partire da un focus specifico sulla contemporaneità, TBD apre quindi finestre di dialogo e un’interrogazione continua sull’arte e sull’estetica. Ogni pubblicazione si accompagna alla realizzazione di una o più opere commissionate per l’occasione, che vengono intese quale parte integrante della riflessione. L’intento è quello di mettere in discussione il rapporto tra artist*, critic* e curator*, e soprattutto tra arte e teoria, nell’ottica di definire una pratica che solleciti uno scambio reciproco di idee e apra molteplici possibilità interpretative, non gerarchiche e non esclusive.

TBD ULTRAMAGAZINE è un progetto di Irene Sofia Comi, Camilla Compagni, Roberto Malaspina, Sofia Pirandello, Iacopo Prinetti e Miriam Rejas Del Pino.

TRILOGIA : CATTIVA LUCE

CATTIVA LUCE, quarto numero di TBD Ultramagazine, indaga la dimensione produttiva, politica e narrativa della luce, sia naturale che artificiale. CATTIVA LUCE si concentra sulle modalità con cui la luce viene impiegata, arginata e sfruttata dalle tecnologie nel presente e su come viene immaginato il suo utilizzo per la società del futuro.

BUIO!, primo volume della trilogia, riflette sul controllo sociale esercitato attraverso la luce, sulla capitalizzazione del sonno e del riposo.

Ombra indaga il rapporto privilegiato che lega da sempre tecnologia e soprannaturale. D’altra parte, non c’è nulla di più tecnico e tradizionale della magia, una fede appassionata nell’efficacia esatta di un sapere pratico, reso possibile da precise istruzioni e ricette raffinateEclissi, il volume conclusivo della trilogia, è dedicato al Sole, catalizzatore dei miti narrativi di salvezza e distruzione del mondo.

La trilogia è stata presentata a Palazzo Grassi (Venezia, 2024), INEVERREAD Art Fair (Basel, 2024), SPRINT (Milano, 2024), Museo Camera (Torino, 2024), Frab’s Magazines (Milano, 2024), Lo Spazio (Torino, 2023), Reading Room (Milano, 2023), Rupture (Venezia, 2023), The Art Chapter (2023).

Co-curatrice del volume “Fotografia analogica e fotografia digitale: un riesame”, Carte Semiotiche, 2023

Carte Semiotiche, La Casa Usher, 2023

Questo volume della rivista Carte Semiotiche – “Fotografia analogica e fotografia digitale: un riesame”, curato da Dario Mangano e Miriam Rejas Del Pino – propone una riflessione critica sul rapporto tra fotografia analogica e digitale nel contesto della cultura visiva contemporanea. Il numero raccoglie contributi di studiosi e artisti che analizzano le trasformazioni della fotografia oltre la semplice opposizione tecnologica tra pellicola e digitale.

Tra i saggi principali figura quello di Joan Fontcuberta, che riflette sulla dematerializzazione dell’immagine nell’era postfotografica attraverso il concetto di iconofagia, ovvero il modo in cui le immagini vengono consumate, trasformate e riutilizzate nella cultura contemporanea. Altri contributi esplorano il ruolo dei dispositivi tecnologici nella costruzione del visibile, le nuove forme narrative della fotografia documentaria, il rapporto tra immagini e editoria, e i processi di autorappresentazione del soggetto nell’era digitale.

Attraverso autori come Valentina Manchia, Michele Amaglio, Elisa Sanzeri, Emanuele Crescimanno, Doriane Molay, Maria del Pilar, Massimo Roberto Beato e Miriam Rejas Del Pino, il volume mostra come analogico e digitale non siano semplicemente due tecnologie ma due modalità semiotiche e culturali di produzione e interpretazione dell’immagine fotografica.

Download here: http://www.lacasausher.it/index.php/carte-semiotiche-annali-8/

CURATORIAL

The Archive Capsule: Chapter II, 2026

The Archive Capsule (TAC) è un format di mostre di ricerca ideato per la De Santillana Foundation e concepito per esplorare le modalità di presentazione dell’archivio di Laura de Santillana (1955–2019). Il progetto, articolato in più capitoli, si configura come un dispositivo espositivo in cui materiali selezionati vengono presentati a partire da specifici focus tematici. La scansione cronologica adottata in TAC consente di mettere a fuoco esperimenti, ricorrenze formali ed esplorazioni teoriche all’interno della pratica ricca ed eterogenea di Laura de Santillana, rendendo visibili alcune delle traiettorie che attraversano il suo archivio.

Curated exhibition
De Santillana Foundation
The Archive Capsule : II

Nel contesto di TAC, esporre l’archivio significa entrare in dialogo con pratiche di allestimento in cui le narrative lineari e dominanti vengono sostituite da costellazioni di opere e materiali e da accostamenti anacronici tra bozzetti, fotografie, documenti tecnici e sculture finite. Queste configurazioni mirano a far emergere gli ecosistemi di senso in cui i lavori di Laura de Santillana sono nati, restituendo l’archivio come uno spazio di riflessione aperto e suscettibile di riletture situate.

Vincitore del Bando Cultura 2025, il progetto ha visto la collaborazione con il duo di designer veneziani ZAVEN, che hanno tradotto in una nuova configurazione spaziale l’idea di “libreria di tablets” già sperimentata dall’artista. I display sono stati realizzati all’isola della Giudecca (SpazioLegno), rafforzando il coinvolgimento di una rete di practitioners locali e a basso impatto ambientale.

La mostra è attivata da un public programme coerente con il posizionamento della Fondazione e che coinvolge docenti di varie università del Nord-Est d’Italia come l’Università di Padova e l’Università Ca’ Foscari di Venezia, ma anche artisti internazionali.

The Archive Capsule: Chapter I, 2025

The Archive Capsule (TAC), un format di mostre di ricerca ideato dalla De Santillana Foundation per esplorare nuove modalità di presentazione dell’archivio dell’artista Laura de Santillana. Il progetto si sviluppa in tre capitoli nell’arco di due anni e propone ogni volta una selezione diversa di materiali d’archivio — tra cui disegni, fotografie, testi e quaderni — organizzati attorno a specifici focus tematici.
Il format nasce dalla riflessione sul ruolo degli archivi: se da un lato essi conservano e organizzano il passato, dall’altro possono anche escludere e silenziare parti della storia e delle pratiche artistiche. Da qui l’esigenza contemporanea di interrogare le modalità di restituzione e consultazione della memoria e di ripensare le forme espositive capaci di restituire vitalità agli archivi, in particolare a quelli dedicati al vetro e agli archivi d’artista.

Il primo capitolo di TAC è dedicato allo studio del colore nella ricerca di Laura de Santillana tra il 1976 e il 2002. Il percorso prende avvio dalla realizzazione del Piatto Numeri (1976), opera influenzata dall’esperienza dell’artista presso lo studio Vignelli Associates e premiata alla mostra New Glass: A Worldwide Survey al Corning Museum of Glass nel 1979. Il progetto culmina nelle opere della fine degli anni Novanta e dei primi Duemila, momento di piena maturità artistica, in cui forma e colore emergono come elementi inseparabili del processo creativo.

Le ricerche di De Santillana si concentrano in particolare sull’ambiguità del vetro, ottenuta attraverso l’uso di colori scuri e superfici opache che impediscono alla luce di attraversare completamente l’opera. Solo con l’introduzione sistematica del cristallo, attorno al 2001, la dimensione interna delle sculture diventa un nuovo campo di sperimentazione spaziale, consolidando il rapporto tra forma, colore e profondità come nucleo centrale della sua pratica artistica.

Ph. Archival Material from the Laura de Santillana Fund in the De Santillana Foundation.

Microcosmo, Casa Yali, 2024, Curator

La serie di trentadue micro-sculture indossabili presentate in occasione della mostra Microcosmo, a CASA YALI, sono il risultato di una collaborazione a quattro mani. Il processo di produzione, che ricorda la modalità del cadavre exquis surrealista, prevede che la collezione sia elaborata in due momenti e luoghi distinti, quasi ‘alla cieca’. A partire da una prima forma in borosilicato elaborata da Simone Crestani, di ispirazione fortemente organica e all’apparenza fragile, Suri incastra i suoi metalli preziosi nelle fenditure di ogni oggetto tramite una tecnica innovativa; negli interstizi della forma vitrea, il metallo estende il corpo di questi organismi e li fortifica nelle loro parti più esposte.

WRITINGS & TALKS

Conference, Istituto Svizzero di Roma, 2026

Nel febbraio 2026 ho partecipato alla conferenza internazionale “Rappresentazione e presenza nelle immagini. Approcci comparativi su un antico dittico”, organizzata dall’Istituto Svizzero di Roma in collaborazione con l’Università di Ginevra e a cura di Alexis di Santolo (Fellow Istituto Svizzero di Roma). L’incontro ha riunito studios3 provenienti da diversi ambiti disciplinari per riflettere sul concetto di rappresentazione nelle immagini, mettendo in dialogo il mondo antico e le teorie contemporanee dell’immagine.

Titolo dell’intervento: “ L’immagine come oggetto teorico tra anacronia, figurabilità e leggibilità”